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地方文化通信：犬島アートプロジェクト (2)

(1)からのつづき

犬島アートプロジェクトは、島の景観を日本の近代化の遺産として保全しながら、島全体を現代アートの美術館として再開発していくというプロジェクトである。2008年4月から公開が始まった第１期のプロジェクト「精錬所」は、アーティスト・柳幸典と建築家・三分一博志のコラボレーションによる、建築とインスタレーション作品が一体化したプロジェクトだ。

柳幸典は1959年福岡県の生まれ。1993年にヴェネツィア・ビエンナーレのアペルト部門を受賞し、生きたアリが、砂でつくられた万国旗の中を移動する仕掛けで物議を醸したインスタレーション作品「ザ・ワールド・フラッグ・アント・ファーム」などで国際的にも知られている。国家や社会制度、経済システムなどを正面から取り上げ、それらがはらむ問題を鋭く追究してきた。一方、建築を担当する三分一博志は1968年生まれで、まだ若手と呼ぶべき世代の建築家だ。環境との共生を志向した作品で近年注目を集め、犬島のプロジェクトにも抜擢された。

「精錬所」における三分一の建築は、工場遺構を積極的に利用し、また周囲の環境と調和することを中心的なテーマとしている。もともとあった精錬所の巨大な煙突を建物の空調に活用し、また銅精錬プロセスの副産物であった「カラミ煉瓦」（＊）や、島で産出する犬島みかげなど、犬島に由来する材料を象徴的に用いることで、歴史や環境を巧みに取り込んでいる。犬島の環境に合わせた植物による植栽や、植物の力を借りた水質浄化システムなど、先進的な環境システムの構築は、岡山大学の環境理工学部の全面的な協力により実現されたものだ。

（＊…カラミとは、銅を精錬する際に副産物として発生する銅スラグ（鉱滓）の俗称であり、カラミ煉瓦はそれを固めてつくった建築材料である。犬島では銅の精錬のプロセスで大量に産生するカラミを使った煉瓦が工場などの建物材料として数多く使われていた。）

三分一の設計による「精錬所」の中に組み込まれる柳幸典の作品は、「ヒーロー乾電池」と名付けられている。犬島の歴史的遺産と、それが象徴する近代日本の様々な問題を、５つの部屋で提示した、サイト・スペシフィックなインスタレーション作品だ。日本の近代化の矛盾に対して警鐘を鳴らし、社会に衝撃を与えた小説家・三島由紀夫が生前暮らしていた東京都渋谷区の家の解体によって出た廃材を作品に組み込むなど、今後の日本や日本人のあり方について観る者ひとりひとりが思いを巡らすための場がつくり上げられている。

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このように大規模で、かつ実験的・先進的でもあるプロジェクトが、東京や横浜、大阪といった、安定した集客が見込め、またアートに対する受容の土壌が整った場所ではなく、瀬戸内海の犬島という非常に限定的で特殊な場所で実現されているということの意味、またそれを運営する福武總一郎（直島福武美術館財団理事長、ベネッセコーポレーション会長兼CEO）の狙いは、どういったところにあるのだろうか。

ベネッセは1955年に福武書店として岡山市で創業された。現在ベネッセの会長を務め、直島福武美術館財団の理事長でもある福武總一郎の父・福武哲彦が創業者だ。教材制作などからスタートし、小学生向けの通信添削講座「進研ゼミ」によって全国的に知名度を高めていった。1995年にベネッセコーポレーションに社名を変更してからは、その社名の意味する通り（イタリア語で「bene」は「よい」、「esse」は「生きる」を意味する）、「よく生きる」という価値観を社会に浸透させることを目指し、教育、語学、福祉などの事業を幅広く推進している。今では日本を代表する企業体のひとつと言えるだろう。

一方で、現在も本社を岡山県岡山市に置いていることからもわかるように、ベネッセは創業の地である岡山に深く根差し、地域振興にも多くの力を注いできた。「福武教育文化振興財団」は岡山の教育・文化振興を支援することを目的とした財団であり、多くの助成活動を行っている。また、ベネッセが直島福武美術館財団とともに運営し、国際的にも高い評価を受けている「ベネッセアートサイト直島」の活動は、所在地こそ岡山県ではなく対岸の四国・香川県に属する島だが、瀬戸内海地域そのものの注目度を高めることに大きく貢献している。

(3)につづく

地方文化通信：犬島アートプロジェクト (1)

韓国の仁川（インチョン）文化財団が発行している隔月刊の文化批評雑誌「플랫폼 PLATFORM」に、「犬島アートプロジェクト」についてのレポートを執筆する機会をいただいた。サブタイトルとして「Asia Culture Review」を標榜するこの雑誌は、美術から音楽、映画、演劇、文学まで幅広くカバーし、韓国語のみではあるものの日本や中国の展覧会やイベントも取り上げている。

掲載されたレポートは韓国語（僕が書いた日本語の原稿を翻訳者が訳してくれたもの）なので、原文の日本語のレポートをここにアップしておこうと思う。掲載の韓国語バージョンには「アートと経営のオーケストラ」というタイトルがついている。内容的にも韓国の読者を意識していることを前提として読んでいただきたい。

ちなみに朝鮮戦争の上陸作戦の舞台としても知られるインチョンは、現在ではソウルに次いで韓国第2の都市だ。国際空港を抱え、ソウルのサテライトシティとしての位置づけを越えて経済文化面でも発展を続けている（リーマンショックまでは、ではあるけれど）。あとは海鮮がおいしい。





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地方文化通信「犬島アートプロジェクト」

「犬島アートプロジェクト」は、アートを導入した地域振興・再開発プログラムの先進事例だ。建築とアート、環境と歴史など、いくつもの要素を組み合わせ、新たな文化発信を志向するこのプロジェクトは、「ベネッセアートサイト直島」などですでに国際的にも高い評価を得ているベネッセコーポレーションおよびその関連財団である直島福武美術館財団による、新たな活動として注目を集めている。直島とは共通点も異なる点もある、この「犬島アートプロジェクト」についてレポートする。

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犬島は中国地方、岡山県岡山市に属する犬島諸島の一部をなす島であり、本州、四国、九州という３つの島に囲まれた瀬戸内海の東部に位置する。犬島諸島は本州から約2.5キロメートルという比較的近距離にあり、犬島のほかに４つの小さな島を合わせ、５つの島で構成されている（そのうちのひとつ、犬ノ島には、うずくまった犬の姿に似た巨石「犬石様」があり、犬島の名前の由来となっている）。諸島中最大の島である犬島も、面積は0.6平方キロメートルと小さく、現在の人口は約55人。島民の平均年齢は75歳で、過疎化・高齢化が極端に進行している土地でもある。

元来良質な花崗岩（「犬島みかげ」と呼ばれる）の産地であり、犬島から切り出された花崗岩は江戸城や大阪城などの石垣にも用いられた。その後、銅を精錬する施設がこの犬島に建設されたのが1909年のこと。原料の海上輸送の利便性や、銅の精錬時に発生する煙害対策のため、当時瀬戸内海上には多くの銅精錬所がつくられたが、犬島もそうした島々のひとつであった（ちなみに、直島も銅精錬所によって発展した島であり、1917年に創業した三菱の銅精錬プラントは現在もなお稼働している）。

大規模な銅の生産を背景に人口も急増し、住宅や飲食店、娯楽施設なども多く建設され、犬島は賑わいを見せた。しかし、銅の国際価格の暴落により生産量は急減、犬島の精錬所はたった10年間稼働しただけで1919年に閉鎖された。島からは人が去り、精錬所の工場建築群も放置され、長い年月の間にただ朽ち果て、徐々に崩壊しながら現在にいたっている。工場の遺構や巨大な煙突などが、富国強兵と重工業化を押し進めた時代のいわば標本として、独特の景観を形成している。

近年、10年ぐらい前からは観光を軸にした島おこしの動きが始まり、海水浴場、キャンプ場なども整備され、「廃墟ブーム」も手伝って観光客を引きつけてきた。2002年には「犬島アーツフェスティバル」の舞台となり、また若手アーティストのグループによるアートイベント「犬島時間」も2004年から毎年開催されるなど、アートと産業遺構を活用した再開発が進んでいる。

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こうした動きを背景に、直島福武美術館財団が「犬島アートプロジェクト」のスタートとなる第１期の施設「精錬所」の建設を開始したのが2007年のこと。これよりも10年ほど前から犬島の歴史や風土に注目し、アートプロジェクトの構想を練っていたというから、長期的な視野で慎重に計画されてきた事業であることがうかがえる。

(2)につづく

家具＆手織物工房「tass」紹介

今回は現代アートではなく家具のハナシ。
静岡市内で家具工房「tass」を主宰している遠藤君は高校時代以来の友人だ。富山県の高岡短期大学で木工を学び、さらにスウェーデンのエーランド島にある工芸学校「カペラゴーデン」に留学。家具のマイスターも取得し、卒業後はスウェーデン国内でいくつかの工房や家具製作会社などに務め、帰国後、同じくカペラゴーデンで学び、染織を手がける奥さんと一緒に工房「tass」を設立した。かわいい双子の女の子の父親でもある。
この夏、久しぶりに工房を訪ねた。

インテリアとアートというのは実は近い関係にあるので、家具やインテリアの業界やマーケットがどのように動いているのかを知ることは案外参考になる。もちろん、収納や生活などの機能が前提となる家具や織物などと、「飾る」こと以外にはっきりとした使い道のない（ときには飾ることにさえ向かない）アート作品とでは、様々に条件が異なるのだけれど、こと遠藤君のつくるもののような一点モノの手作りの家具に関して言えば、「作家性と市場の要求」や「価格と需要」といったところで、アートマーケットにも共通する問題が数多くある。

ひとつの面白いテーマが、住にまつわる日本の伝統や慣習に関する話。よく指摘されることだけれど、日本家屋では構造を支える役目は柱が果たしていて、間仕切りとしてのふすまや障子は動かしたり外したりすることが前提となる。だからそれは壁とは呼べない。壁がないということは、そこに絵を飾るというコンセプトもそもそも存在しないということになる。そのかわりに、襖絵などの障壁画や、最初から収納保管に便利なように考えられた屏風や掛け軸などが室内装飾として考案され、発展してきた。これは、建築構造の一部としての壁がふんだんにあって、その壁を飾るために絵画が必要とされた欧米の家屋とは事情が大きく異なる。
家具についても話は似ていて、壁が可変・可動だから据え付けの家具を置くことができない。さっきまで壁だったところが通路になったり、というフレキシビリティを活かすためには、収納は押し入れや天袋に固定して、家具は小さく動かしやすいものでなければならない。だから、同じ家具でも欧米と日本とではかなり異なる発展を遂げてきたのだ。

もちろん、椅子テーブルのライフスタイルを含めて今や欧米の生活様式は日本に完全に浸透している。しかし、それでも様々な部分で（例えば広さや長さのモジュールとしての畳数とか、外開きの玄関扉とか）日本家屋の伝統は姿を現してくるので、そこに、家具にしてもアートにしても、「ならでは」の面白さを見出すこともできるのかもしれない。

家具づくりの技術的な話も、いつ聞いても面白い。日本の夏の湿度の高さはものすごく、木材の伸び縮みは引き出しや扉の動きを大きく狂わせるらしい。その狂いをいかに最小限に抑えるか、そのためにいかに木目の方向をうまく組み合わせるか、ということが重要になるという。収納家具に限らず、椅子やテーブルなどでも同じことで、見た目だけにとらわれて伸縮を考慮せずにつくると木が割れてしまうこともあるのだとか。日本で桐ダンスが多く使われてきたのは、桐材が湿度による伸縮の影響を受けにくい材質だからだというのも、なるほどという話だった。改めて、気候風土と生活様式、文化とは密接につながっているものなのだということに気付かされる。

遠藤君がつくるtassの家具は、そのような日本の気候の特質にも配慮して、しかも細部にこだわった美しいフォルムを持っている。奥さんの博子さんがつくる織物も、やさしい色と風合いが北欧的でありながら、日本の生活にもしっくりと馴染みそうだ。
ご興味のある方はtassのウェブサイトへ。
http://www.tassen.jp/

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工房や家具作品の写真を撮ってくるのをすっかり忘れてしまったので、かわりに静岡駅のカフェにあった「茶ッチーノ」をご紹介。抹茶とカプチーノを折衷したパフェ風の飲み物で、今回のブログの「和」と「洋」というテーマにも合うのではないか……というのはさすがに無理があるけれど、それにしてもなかなか大胆なネーミングだと思う。割とおいしかったけど。

ART OSAKA 2009

大阪北区の堂島ホテルで開催されていたART OSAKA。ホテルの客室を使ったアートフェアは東京神楽坂のART@AGNESをはじめとして日本でも市民権を得てきたように思うけれど、関西でアートフェアを見るのは初めてなので、大阪ならではのアートフェアの雰囲気とかいうあたりにも興味があった。

で、結論から言うと、当たり前かもしれないけど東京も大阪もそれほど大きな違いは感じられなかった。
堂島ホテルは老舗のホテルをリノベーションした流行のデザイナーズホテルで（それにしてもなぜデザイナーズホテルというとほぼ例外なくみんなベッドルームからバスルームが丸見えになるようなつくりになっているのだろうか？　何か基準でもあるのだろうか？）、決して広くはない客室に作品が詰め込まれていて作品鑑賞には理想的な環境とは決して言えない。けれど、どこのホテルアートフェアでもこれは同じで、この密度がホテルアートフェアの魅力でもあるのだろう。
インテリアの中に作品を飾った状態をシミュレートできるのがホテルアートフェアの特徴だということが言われることがあるけれど、こんなに作品を詰め込むことは実際の居住空間ではないだろうし、ベッドの上とかシャワーの横に作品を置くこともあまりないだろうから、そういう意味でのホテルならではのメリットというのは実際にはほとんどない。やはりブース設営のコストがかからないというのがホテルでアートフェアを開催することの最大のプラスなのだろうと思う。

ART OSAKAは初日が招待客のみのプレビュー、2日目と3日目が一般公開日となっていた（僕が行ったのは2日目）。関西圏だけでなく、東京からもいくつかのギャラリーが出展していたけれど、海外からの参加は韓国から2軒、台湾から2軒の計4軒のみ。ちょっと寂しい。
去年も出展したという東京のギャラリーの方に話を聞いたら、客足は去年よりもスロー、とのこと。もちろんアートフェアでは何人来るかよりもいくつ売れるかのほうがはるかに重要なのだけれど、J-WAVEあたりとタイアップしてプロモーションしていたART@AGNESと比べると、やはり静かで地味な印象ではあった。今年の（最後の）ART@AGNESは僕は見に行けなかったので、こと今年に関してフェアな比較が出来るとは思えないけれど。残暑厳しい夏休み、というのもマイナス要因になっているかもしれない。

ひとつ気になったのが、ブース（部屋）の入口に付けてあるギャラリー名の表示がしばしば間違っていたこと。Art Court GalleryがArt Cortになってたり、Soh GalleryがSho Galleryになってたり。外国のギャラリー名じゃないんだし、事務局ももうちょっと気をつけたほうがいいのではないか。あるいはこのおおらかさが大阪スタイルなのか。

前回のブログで書いたワンピース倶楽部の代表の石鍋さんのレクチャーも開催されていたので聴講してきた。その話でも触れられていたけれど、日本のアートフェアに海外から（特に欧米から）ギャラリーが出展してこないというのはやはりネガティブな要素だと思う。単純にアートマーケットの問題だけでなく物価、地理条件などなど、様々な要因が絡んでくることなのだけれど。

最後に、気になった作家の名前をいくつか（前から知っている作家も含めて）。
・坂田峰夫（写真／Gallery Out of Place＝奈良・東京）
・田中加織（絵画／Gallery Art Composition＝東京）
・櫻井伸也（絵画／夢創館＝神戸）
・竹谷満（絵画／Megumi Ogita Gallery＝東京）

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ART OSAKA 2009
http://www.artosaka.jp/

ワンピース倶楽部展

東京・渋谷で「ワンピース倶楽部」の年1回の展覧会「はじめてかもしれない」を見てきた（8月8日から12日までの会期で、展覧会はすでに終了している）。

このワンピース倶楽部、会員になると年間に少なくとも1点、アート作品を購入しなければならないというルールのもとに集まったコレクターの会で、年に1回、会員の購入作品を集めて「発表」する展覧会を開いている。今回の展覧会は昨年に続き第2回目。ほかに定期的にギャラリーめぐりやレクチャーなども行っているという。

今活動しているアーティストを応援し、サポートするというのがこの会のひとつの大きな目的になっている。購入作品の条件は、現存の作家の作品であるということ一点だけで、作品は現代美術であっても工芸であってもかまわない。

共同出資して作品を購入するアートファンドの例は海外でもいくつか耳にしたことはあるけれど、こういったコレクターのクラブは他にあまり例がないのではないかと思う。と同時に、このような「仕掛け」なしでは、美術作品をコレクションするということの社会化（購入するだけでなく、公開し、社会と共有していくということ）は日本ではまだまだ難しいのだろうな、とも考えさせられる。

展示作品は（当然ながら）バラエティに富んでいて、またそれぞれの作品に添えられた「購入理由」というキャプションを読むのも興味深く、通常のギャラリーの展覧会とはひと味違う面白さがあった。

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ワンピース倶楽部のウェブサイト
http://one-piece-club.jp/